Acquistato a Parigi nel 1904 da Pietro Romanelli, il dipinto passò poi al mercante d’arte Bruno Lorenzelli, il quale fu il primo a ricondurlo correttamente alla mano del maestro di Ornans. Dopo vari passaggi, giunse agli eredi Finazzi, dove Jean-Jacques Fernier lo esaminò per la prima volta nel 2011.

“L’opera rappresenta,” scrive proprio Fernier, “un ruscello tra due falesie, con la più lontana illuminata dai raggi del sole sotto un cielo blu, mentre il primo piano è in ombra.” Questo tema, ricorrente negli anni ’70 di Courbet, colpisce Fernier per il bagliore degli ultimi paesaggi del Jura, un’impressione finale del suo amato paesaggio natìo.

L’iconicità di “Rochers d’Ornans” risiede in una diagonale che divide il dipinto: da un lato l’ombra che avvolge la materia e dall’altro la luce che evidenzia una gamma cromatica di rosso, blu, viola e verde. 

Catturando la natura senza filtri, Courbet si conferma un genio del realismo e una figura di spicco capace di influenzare artisti del Novecento come Morandi e Morlotti. La sua assimilazione dei grandi fiamminghi e il contrasto luce-ombra del Seicento si intrecciano con i giovani impressionisti che lo veneravano. 

Troverete questo fantastico dipinto in asta il prossimo 11 dicembre a Milano all’interno del catalogo di Arte Figurativa tra XIX e XX Secolo.

Alla ricerca di un editore americano per il libro che voleva realizzare su New York, William Klein si sentì rispondere un po’ da tutti i suoi interlocutori editoriali che non si riconoscevano in quelle fotografie sgranate, quelle riprese ricche di riflessi, di luci abbaglianti, di carrozzerie troppo lucide. Qualcuno gli spiegò anche che le sue riprese erano spazzatura, anche se non fu precisamente quello il termine che si sentì ripetere. Fu così che uno dei più bei libri sulla città fu pubblicato con l’originalissimo titolo “New York. Life is good and good for you in New York” (oggi forse direbbero che con un titolo così il libro diventava invendibile…) in Europa.

Andò decisamente meglio al trentaseienne Richard Avedon che per il suo primo libro “Observations” aveva potuto contare sui testi di Truman Capote e soprattutto sullo straordinario impianto grafico di Alexey Brodovitch suo mentore ad Harper’s Bazaar, la rivista da cui provenivano i ritratti a piena pagina dei più importanti esponenti del mondo della cultura e dell’arte pubblicati nel volume su cui in copertina comparivano i classici caratteri Bodoni cari al grafico e art director di origine russa. 

Che gli Stati Uniti siano sempre un luogo privilegiato della fotografia lo sappiamo bene tutti e bastano per sottolinearlo alcune immagini qui proposte realizzate da autori che hanno osservato l’America (così abitualmente gli Usa vengono chiamati) sia dall’interno, con lo sguardo di chi come Aaron Siskind è vicino a una visione artistica, sia di quanti usano il filtro della cultura europea.

Quella respirata dall’italo americano Ron Galella che avendo fatto parte, unico non italiano, del gruppo eterogeneo dei “paparazzi” usa New York come fosse via Veneto per i suoi ritratti rubati, quella respirata prima da Riccardo Moncalvo e poi da Maurizio Galimberti che inseguono il fascino di una città seduttiva, quella infine di Olivo Barbieri che gioca da par suo con i grandi spazi che caratterizzano il Paese.     

Testo di Roberto Mutti

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La storia di Diana Dalziel Vreeland
Nata a Parigi nel 1903 da una madre americana e un padre britannico, Diana Dalziel Vreeland ha ereditato il fascino e il cosmopolitismo tipici dell’alta società europea dell’epoca. Non fu solo una semplice redattrice, ma una delle figure più influenti del XX secolo, capace di plasmare la moda e la cultura con un’energia ineguagliabile e una visione straordinaria.

Dopo aver vissuto in vari ambienti élite, la famiglia Dalziel si trasferì negli Stati Uniti alla fine della Prima Guerra Mondiale. Nel 1924, Diana sposò il banchiere Thomas Reed Vreeland. Dopo il matrimonio, la coppia si trasferì a Londra, dove la Vreeland aprì una raffinata boutique per signore, tra i cui clienti vi era anche Wallis Simpson, futura Duchessa di Windsor. In questo periodo, Diana visitò spesso Parigi, dove nel 1926 incontrò Coco Chanel e la sua amica gioielliera Suzanne Belperron. Nel 1937, la Vreeland tornò a New York, dove iniziò la sua carriera come giornalista e redattrice per la rivista di moda Harper’s Bazaar, curando la rubrica Why Don’t You…?, che proponeva idee eccentriche e suggerimenti di stile. Importante firma di Harper’s Bazaar e Vogue, nel 1965 fu ammessa nella Hall of Fame come una delle donne più eleganti del mondo. Dal 1962 al 1972, fu capo redattrice della rivista Vogue America, dove ancora una volta si fece riconoscere per il suo occhio visionario, e l’incredibile influenza sulle tendenze di moda dell’epoca. Il suo famoso motto, “Il brutto è noioso”, riassume perfettamente il suo atteggiamento nei confronti della vita e della creatività.

La coppa
Durante la celebrazione di matrimonio del 1924, i Vreeland ricevono come dono di nozze una coppa centrotavola di Tiffany & Co. in argento sterling realizzata su commissione.

La coppa è un esempio di raffinatezza e maestria nell’artigianato caratterizzato da una base circolare, un crest inciso e linee essenziali elegantissime. La coppa reca anche un’incisione che celebra l’unione dei due sposi: “DIANA DALZIEL – THOMAS REED VREELAND – MARCH 1 1924”. Sul retro, è presente l’emblema della Scroll & Key, la prestigiosa società segreta dell’Università di Yale, a cui Thomas Reed Vreeland apparteneva. L’emblema “Scroll & Key” raffigura una pergamena e una chiave, accompagnato dalle iniziali “C.S.P.” e “C.C.J.”, sigle adottate dalla confraternita.

Attorno alla base della coppa sono incisi quindici crest ad altorilievo, riportanti i nomi dei membri della delegazione di Vreeland della Scroll & Key. Tra i nomi spiccano quelli di personalità che avrebbero raggiunto successi straordinari, come Godfrey Stillman Rockefeller e Charles Shipman Payson.

Fondata nel 1842, la confraternita di Scroll & Key si distinse per il suo spirito intellettuale e letterario, selezionando ogni anno quindici membri della classe junior per ricoprire ruoli di leadership. La coppa centrotavola è infatti anche un simbolo di un’unione tra due famiglie di grande prestigio e un legame con una delle più esclusive istituzioni universitarie d’America. Tiffany & Co. ha trasformato questo argento in un tributo che unisce arte, storia e tradizione.

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Foto di copertina: Photograph of Exhibit Developer Diana Vreeland Giving First Lady Betty Ford a Tour of the “American Women of Style” Exhibit at the Metropolitan Museum of Art – Courtesy Gerald R. Ford Presidential Library

Ma l’Italia è davvero quello che convenzionalmente viene ancora chiamato il Bel Paese con buona pace dell’abate Stoppani e di Petrarca? Se lo è chiesto Luigi Ghirri nel 1984 progettando quella mostra corredata da un bel libro-catalogo diventata poi famosa proprio perché già nel titolo “Viaggio in Italia” promuoveva una visione diversa e contemporanea del paesaggio nostrano. Per questa e altre ragioni possiamo qui fare il punto con una riflessione che indaga sui luoghi più significativi che hanno caratterizzato la visione fotografica sull’Italia.  

Ci sono città, e Venezia è una di quelle, che hanno stabilito con la fotografia un rapporto stretto e profondo. Si è arrivati al punto che alcune immagini sono diventate delle vere e proprie icone di quel luogo magico e unico. Questo ha riguardato autori locali come Fulvio Roiter (di cui qui si propongono alcune immagini a colori da lui stesso particolarmente amate – Lotto 11, 12 e 13) come anche altri che qui, pur non essendoci nati, sono stati a lungo di casa come Gianni Berengo Gardin e Paolo Monti (Lotto 17). Ma Venezia ha coinvolto anche fotografi come il paesaggista Michael Kenna (Lotto 16) e Franco Fontana, che l’ha a lungo frequentata realizzando sempre immagini non convenzionali e soffermandosi sugli aspetti più innovativi offerti dalla città (Lotto 18).  

Alla silenziosa eleganza di Riccardo Moncalvo, Milano contrappone la sua austerità (Lotto 9). I fotografi, infatti, l’hanno sempre vista come lo spazio dove vivere la quotidianità di strade e scalinate colte da Luigi Ghirri (Lotto 5) e Riccardo Moncalvo stesso, ma anche dove sono ben presenti i segni di quella industriale che Gabriele Basilico, in una indagine ormai diventata famosissima, ha interpretato in “Ritratti di fabbriche”. Il leggendario dinamismo cittadino lo si ritrova perfino in una piazza del Duomo che ora si fa spettacolare nella ripresa della Galleria realizzata da Ugo Mulas (Lotto 8), ora sorprendente nella fila di passanti che cammina rapida sfidando l’ostacolo della Grande Nevicata del 1985 in una piacevolissima ripresa di Virgilio Carnisio (Lotto 7). 

Alla bellezza ben esibita di Roma – Luigi Ghirri (Lotto 25) la sottolinea nei Castelli, Mario De Biasi la trova nelle architetture del centro – alle suggestive contraddizioni di Napoli dove possono convivere il ragazzino seduto per strada ripreso da Mario De Biasi (Lotto 27) e le splendide sculture cui Mimmo Jodice ha conferito una fortissima vitalità (Lotto 30).

Al di là delle città, ci sono in Italia spazi regionali che sono stati oggetto di attente osservazioni che li hanno resi famosi in tutto il mondo. L’Emilia per la sua immagine ha così potuto contare su grandi fotografi, da Franco Fontana a Luigi Ghirri (Lotto 21), ma anche su Gianni Berengo Gardin che nel 1975 ritornò a Luzzara per riprendere il filo del discorso iniziato vent’anni prima da Paul Strand che quel luogo aveva trasformato nel simbolo della vitalità che animava i paesi di quell’area della Pianura Padana (Lotto 126). Il fotografo americano e quello italiano erano stati accompagnati da Cesare Zavattini e dall’editrice Einaudi che nel 1955 aveva pubblicato “Un paese” e nel 1975 “Un paese vent’anni dopo”.

Basta scendere di pochi km e ci si ritrova nelle Marche dove i segni della visione di Mario Giacomelli sono così forti da fare specchio: chi conosce le opere del fotografo di Senigallia le ritrova in quei paesaggi collinari, chi ha confidenza solo con questi ultimi si sorprende di come si sono trasporti in queste intense immagini.

Altra grande terra di fotografi è la Sicilia: se chi la visita ne coglie i cromatismi abbaglianti come ha fatto un grande maestro del colore come Franco Fontana (Lotto 33 e 34), chi la conosce per esserci vissuto come Enzo Sellerio e Ferdinando Scianna preferisce i toni smorzati di un bianco e nero classico. 

di Roberto Mutti

Scopri il catalogo completo dell’Asta di Fotografia che si terrà a Milano il 15 ottobre

Talentuoso artista di origine russa, conosciuto con lo pseudonimo Erté (la pronuncia francese delle sue iniziali R.T.), Romain De Tirtoff si trasferisce a Parigi all’inizio degli anni ’10.

Nel 1913 inizia a collaborare con lo stilista Paul Poiret; nel 1915 ottiene il suo primo contratto con Harper’s Bazaar, la prestigiosa rivista per la quale realizzerà più di 200 copertine fra il 1915 e il 1938.

Le illustrazioni di Erté vengono pubblicate su numerose altre testate, fra cui Illustrated London News, Ladies’ Home Journal e Vogue. Ma sono i suoi disegni di moda a renderlo celebre in tutto il mondo: le sue delicate e sofisticate figure, di uno stile immediatamente riconoscibile, costituiranno un’inesauribile fonte d’ispirazione per la moda successiva, rendendolo a tutti gli effetti uno dei padri dell’Art Déco.

Oltre all’illustrazione ed alla moda, Erté brilla in numerosi campi delle arti applicate: realizza gioielli, arredamenti d’interni, scenografie e costumi teatrali e cinematografici. Le sue opere sono esposte nelle più prestigiose collezioni museali di tutto il mondo, dal Metropolitan Museum of Art di New York al Victoria & Albert Museum di Londra.

Con quasi 100 disegni originali tra costumi di moda, scenografie teatrali e illustrazioni editoriali, siamo orgogliosi di presentare la più grande asta mai dedicata al padre dell’Art Déco.

Il catalogo dell’asta presenta una selezione dei più importanti costumisti dei mitici Music Hall parigini, artisti che con le loro opere hanno rivoluzionato lo stile dei primi decenni del XX secolo, artisti come Charles Gesmar, Ladislaus Czettel e Freddy Wittop che hanno dato vita a quella époque d’or rimasta nell’immaginario collettivo di intere generazioni.

Scopri il catalogo completo dell’asta di Erté e il Paris Music Hall che si svolgerà il 25 ottobre a Milano.Visita il nostro sito per il catalogo completo.

Dal magnifico ritratto di Luigi Trecourt, che Fernando Mazzocca così ci descrive: “Il bel volto della nostra signora, ritratta frontalmente e in una posa di grande effetto con la mano che viene in primo piano appoggiata sulla spalliera della seggiola, ricorda da vicino una delle due figure del quadro pavese – suo capolavoro – , quella che sta in piedi dietro all’altra invece seduta. Vi ritroviamo la stessa dolcezza di modellato e una ricerca espressiva improntata ad un pacato naturalismo caratteristico dei ritratti a noi noti del pittore” (lotto 83), alla mascolina schermitrice di Gaetano Previati al passo con la moda dell’epoca di una scherma al femminile (lotto 3), troviamo una pittrice che idealizza una donna orientale. Stiamo parlando di Sofia Grancini, figura attualmente refrattaria agli studi.

Impostata secondo i canoni della scuola braidense, allieva evidentemente del pittore Bertini e degli scapigliati ad esso collegati (Cremona, Ranzoni ma anche una certa sfrontatezza di Tallone), la figura dell’Odalisca dimostra una pittrice matura capace di mescolare con grande consapevolezza di mezzi le cromie anche più accese (lotto 45).

Singolari le due donne di Giovanni Battista Galizzi, pittore eminentemente frescante in spazi chiesastici, che qui si lascia andare a due piccanti declinazioni del femminile: una danzatrice dai lineamenti misteriosi e una modella, La Nigra, che qualche grattacapo coniugale gli procurò (lotti 138, 140).

Protagonista indiscusso della raffigurazione femminile è Giuseppe Amisani, che raccoglie l’eredità boldiniana e che si impone al grande pubblico proprio nel 1912 con il ritratto dell’attrice Lyda Borelli; stessa data del nostro sontuoso ritratto in costume (lotto 81).

Chiude la rassegna il cremonese Antonio Rizzi il quale, a Firenze al culmine della sua maturità, tra simbolismo e realismo, dispone in un pacato paesaggio lombardo-veneto le sue monumentali matrone michelangiolesche (lotto 143).

Scopri il catalogo completo dell’asta di Arte Figurativa tra XIX e XX Secolo che si svolgerà il 25 settembre a Milano.

Questo gruppo di disegni risale agli anni 1968-70, periodo in cui ho vissuto a Roma nell’intervallo fra il mio primo e secondo viaggio in Brasile. All’epoca lavoravo per la rivista Playmen, pubblicando vignette e illustrazioni dei racconti, che firmavo con lo pseudonimo “Panzoust”. Per questi lavori usavo chine, nere e colorate, spesso utilizzando la “penna d’oca” che era fissata al tappo delle bottigliette d’inchiostro.

Parallelamente mi piaceva sperimentare diversi strumenti di disegno: matite, pastelli a cera e olio, in qualche caso tempera e acquerello. Molto spesso il tratto era suggerito dal tipo di strumento e dal supporto cartaceo.

Un buon numero di disegni sono fatti con la tecnica del monotipo, segnando con una punta un foglio di carta leggera posata su un vetro coperto con inchiostro da stampa, che produce un segno simile a un’incisione.

Cominciai anche ad usare, oltre al pennino, il Rapidograph, che diventerà in seguito il mio strumento di base per le vignette e i fumetti. Parlo di “Disegni scomparsi” perché effettivamente li ho persi di vista da quell’epoca fino a un paio d’anni fa, quando sono riapparsi dopo un percorso per lo meno tortuoso.

Disegni Scomparsi è anche il titolo dell’appuntamento per gli amanti del mondo dei fumetti e delle tavole originali del vignettista e autore satirico italiano Altan, un’asta che si terrà a Milano martedì 17 settembre presso la sede di Milano e che sarà preceduta da una fantastica esposizione.

> Scopri il Catalogo Completo dell’Asta

Henri-Robert-Marcel Duchamp rappresenta uno dei principali esponenti del dadaismo e dell’arte concettuale. L’opera mostra lo spirito avanguardista di Duchamp ed è considerata un punto di riferimento dell’arte del XX secolo.

Con una stima in catalogo di € 100.000 – € 150.000, il capo lavoro L.H.O.O.Q dell’artista francese, è stato battuto all’asta all’importante cifra di € 321.290 durante la giornata del 27 giugno 2024. L’aggiudicazione è record price per l’artista e uno dei miglior risultati per il Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea.

L.H.O.O.Q. di Duchamp sfida le visioni tradizionali e riconsidera un classico utilizzando uno schizzo a matita di baffi e pizzetto. Il titolo dell’opera usa un gioco di parole e, unito all’immagine rivisitata della Gioconda, mostra l’umorismo irriverente di Duchamp e la sua messa in discussione della sacralità dell’arte.

L.H.O.O.Q. è anche ampiamente discusso nella letteratura critica. È presente in Marcel Duchamp. Proposte e ricordi (Milano, Ed. Galeria Schwarz, 1965) di Pierre de Massot, creato appositamente per il n. 13 della prima edizione di questo saggio. Arturo Schwarz parla di quest’opera anche nel suo catalogo ragionato The Complete Works of Marcel Duchamp (Londra, Ed. Thames & Hudson, 1969, n. 261e, pp. 476-477), e nella sua edizione rivista e ampliata (New York, Delano Greenidge Editions, 2000, n. 369f, pp. 670-671). Questa replica è stata realizzata per essere inserita nel libro di Pierre de Massot Marcel Duchamp.

Quest’opera d’arte non solo rappresenta un momento significativo del Dadaismo e Surrealismo, ma è stata anche un precursore dell’arte concettuale successiva.

Il Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea sta selezionando opere per le prossime aste. Se desiderate richiedere informazioni sulla possibilità di mettere in vendita uno dei vostri beni in una delle nostre aste potete contattare i nostri esperti per una prima valutazione gratuita e confidenziale:

Dipartimento di Arte Moderna e Contemporanea
modernoecontemporaneo@finarte.it