L’origine della Festa della Mamma è, contrariamente ad altre feste, slegata da una matrice religiosa. Nasce quasi spontaneamente, in tempi diversi in vari paesi, tanto che persino la data in cui viene celebrata varia, da marzo a maggio. Generalmente vede la luce nel primo Novecento, in Italia verrà ufficializzata solo a fine anni ’50, ma il sentimento da cui prende vita è ovviamente ben più antico. Serviva però forse una sensibilità più moderna per non solo riconoscere l’importanza affettiva ma anche quella sociale del ruolo materno. Certo, in Italia la scelta di maggio, mese mariano per eccellenza, non è casuale, ma in fondo le doti per cui la Madonna viene celebrata sono per lo più molto umane e materne.

L’amore assoluto per il figlio, la cura, l’operosità che non viene mai meno pur accanto a sentimenti più alati…Dopotutto Maria era una madre del popolo, e la pittura da sempre ne ha celebrato il ruolo materno, con la sua dolcezza e delicatezza ma anche la forza morale di accettare il sacrificio del figlio. È proprio con la pittura a cavallo tra XIX e XX secolo che a questa interpretazione strettamente religiosa se ne affianca un’altra più popolare: cominciano così a venire raffigurate delle “madonne laiche” di grande intensità, a cavallo tra tradizionale iconografia mariana e più moderno realismo. Ne offrono vari esempi le prossime aste di Importanti Dipinti e Sculture e di Dipinti, Sculture e Grafiche del dipartimento di Arte Figurativa tra XIX e XX secolo. A partire dalla madre contadina al centro del trittico Terra Feconda di Alessandro Battaglia: matronale, di una bellezza ieratica, eppure dotata di una sua grazia, quasi una controparte laziale e materna della Alpigiana di Luigi Rossi o delle allegorie dell’Estate e dell’Autunno di Adolfo Belimbau.

Si passa quindi alla Maternità di Cesare Laurenti, visione di duro realismo, una madre coraggio immersa nella penombra di un vicolo cittadino, ritratto di una miseria economica che non riesce a sconfiggere una grandezza morale.

Decisamente più sereno il Madre e figlio – impressioni all’aperto di Giuseppe Bosio, un’opera che con economia di mezzi ritrae un lieto momento d’intimità tra una madre e il suo bambino.

Grande serenità spira anche dal dipinto Donne al lavoro di Luciano Ricchetti, dove l’operosità lavorativa del forno si affianca a quella materna dell’allattamento e dell’accompagnamento dei primi passi di un bimbo.

Anche le giovani madri della Scena d’interno con figure di Giovan Battista Quadrone sono ritratte nell’atto di occuparsi dei figli, stavolta in un contesto sociale, l’una con il figlio neonato in braccio e l’altra sostenendo la figlia mentre fa cautamente amicizia con un cane. Quello tra madri e figli è anche un rapporto di affetto fra diverse generazioni, il ciclo della vita riassunto in un’immagine che non cessa di riproporsi. Così la scena familiare e allegra raffigurata da Josep Tapiró y Baró diventa una sottile Allegoria della vita: le diverse generazioni a confronto, i teschi sulla mensola del pilastro dell’antica loggia in rovina, tutto sembra rimandare al senso del tempo che passa, accolto con sorridente bonomia. Perché alla fine, ad accomunare tutte queste madri, contadine o cittadine, popolari o borghesi, è un sentimento profondo, viscerale, di amore. E quindi auguri a tutte le mamme, passate, presenti e future!

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Testo di Marzia Flamini

Fermato dagli inservienti dopo una colluttazione viene perquisito: indosso gli vengono trovati un coltello, una rivoltella, carica, e un flacone di vetriolo, un acido in grado di provocare dolorose ustioni. La polizia lo identifica facilmente: non era la prima volta che il giovane mostrava i segni di una pericolosa ossessione nei confronti della donna. Era già stato fermato in passato, aveva ricevuto dei fogli di via proprio per quel morboso desiderio che lo consumava. Il giovane viene quindi arrestato e, dopo una breve permanenza in carcere, giudicato insano di mente e ricoverato in manicomio in Brianza. La donna si salva, ma il giovane morirà in quello stesso manicomio, di tubercolosi, quaranta giorni dopo, a soli venticinque anni. È il 1907, l’uomo si chiama Manfredo Manfredini ed è un pittore in quel momento alle prese con un’impresa artistica notevole: illustrare la Divina Commedia di Dante. Tre anni prima aveva ricevuto il prestigioso incarico, nonostante la giovane età, dall’editore Giuseppe Nerbini di Firenze: il progetto era di realizzare un’edizione più popolare del capolavoro dantesco rispetto alla contemporanea e più lussuosa di Alinari illustrata dai più celebri artisti dell’epoca. L’edizione Nerbini è pubblicata a fascicoli, con le tavole di Manfredini a riassumere in un’immagine alcuni passaggi del poema. La scelta di Manfredini ricade spesso su terzine meno celebri ma dalle quali può ricavare composizioni stranianti di grande impatto visivo: in esse le figure sono immerse in scenari alienanti dai quali vengono quasi annullate.

L’illustratore rifugge infatti i neri profondi delle più famose tavole del francese Gustave Doré: il suo Inferno è fatto di chiaroscuri e spazi vuoti e figure allungate e severe. Con la sua morte lascia l’impresa a poco più di metà, interrompendosi al XXV Canto del Purgatorio, costringendo Nerbini a trovare un sostituto per completare l’opera. La scelta ricade così sul napoletano Tancredo Scarpelli, privo però dell’inventiva a metà tra simbolismo e più moderna sintesi compositiva di Manfredini.

E la donna sopravvissuta al suo tormentatore? Il suo nome è Solomija Krusel’nyc’ka, all’epoca una delle più osannate cantanti liriche della scena europea. Dopo la formazione nella nativa Ucraina, Krusel’nyc’ka si reca in Italia per perfezionare la sua tecnica: negli anni riscuote grande successo specialmente nelle sue interpretazioni del repertorio pucciniano. Il suo talento è tale che lo stesso Giacomo Puccini le chiede di interpretare la protagonista nella nuova versione della Madama Butterfly: la sua performance contribuisce a risollevare le sorti dell’opera, che aveva aperto con un fiasco pochi mesi prima, consacrandola definitivamente. Questo trionfo avviene nello stesso 1904 in cui Nerbini aveva dato l’incarico a Manfredini. L’illustratore comincia ad assistere a svariate serate della soprano, seguendola in tournée nelle numerose tappe italiane, cominciando a scriverle sconclusionate lettere d’amore. Impossibile non vedere un’eco di uno dei ritratti fotografici più diffusi di Krusel’nyc’ka nella Beatrice del II Canto dell’Inferno. La donna sognata da Dante si sovrappone nella china di Manfredini alla stella della lirica da cui l’artista era ossessionato: stessa posa, con il braccio abbandonato lungo il fianco, e identica curva del collo.

Krusel’nyc’ka, sopravvissuta al tentativo di aggressione di Manfredini, continuerà la sua brillante carriera internazionale, amata da Arturo Toscanini, apprezzata dalla critica che la incorona “Primadonna wagneriana”, destinataria persino di un’ode di Gabriele D’Annunzio. Oggi è considerata una delle più importanti cantanti liriche del XX secolo nonché una delle donne ucraine più famose, tanto che il suo paese natale le ha dedicato un francobollo.

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Testo di Marzia Flamini

Tra le pubblicazioni periodiche entrate nell’immaginario collettivo The New Yorker ricopre senz’altro un ruolo di rilievo assoluto. Con un logo ormai iconico che ne riporta il nome con un carattere ideato appositamente, il formato compatto e la sua impaginazione che privilegia i testi, fin dalla sua nascita questo magazine si posiziona in modo assolutamente originale nel mercato editoriale. Nata nel 1925 per raccontare in modo innovativo personaggi ed eventi della vita culturale newyorkese negli anni la rivista ha ampliato la sua prospettiva al mondo intero. Sulle sue pagine ha ospitato autori quali Hannah Arendt, che vi pubblicò il suo sempre attuale La banalità del male, Vladimir Nabokov, Philip Roth e persino lo sfuggente J.D. Salinger. La sua sezione di vignette satiriche è tra le più celebri e graffianti, con le sue strisce tra le più riprodotte al mondo.

Ma più ancora che per ciò che vi è pubblicato all’interno se si nomina il The New Yorker si pensa subito alle sue copertine: solo prezzo, data, logo e un’illustrazione. Nessun titolo, nessun occhiello, nessun accenno al contenuto del singolo numero. Questa impronta pulita, che lascia spazio all’immagine rigorosamente disegnata e cementa ancora di più il nome della rivista nella nostra mente, è rimasta immutata in questi primi cento anni di pubblicazione. Per un illustratore finire sulla cover del New Yorker è dunque un onore, un riconoscimento assoluto. Anche per questo fin da subito il magazine ha attinto a talenti internazionali per le sue copertine. Per fare un esempio, già alla fine degli anni Venti ne firmò alcune uno dei più grandi artisti e designer italiani di sempre, Fortunato Depero.

Ne ha seguito le orme in tempi più recenti uno degli illustratori e fumettisti italiani più internazionali, Lorenzo Mattotti: all’attivo ne ha più di trenta, a partire dalla prima del 1993. Il suo tratto distintivo, caratterizzato dai segni filamentosi e sinuosi dei suoi pastelli, con le figure appena stilizzate e le atmosfere avvolgenti e sognanti è spesso apparso anche all’interno della rivista, a corredo di alcuni articoli. Esemplare di questa collaborazione di successo è la copertina realizzata per il numero del 10 aprile 2000. È un evocativo inno alla raffinata e variegata Night Life newyorkese, fatta di glamour e stile, con la figura centrale dall’allure anni ’40 e intorno personaggi contemporanei con tatuaggi e piercing.

A celebrare l’effervescente vita culturale della Grande Mela nel 1968 arriva anche il New York Magazine, settimanale fondato da Clay Felker e il grafico ed illustratore Milton Glaser. La vocazione del New York è meno impegnata e più di attualità mondana, ma ha comunque ospitato anch’esso firme del calibro di Tom Wolfe e Nora Ephron. Glaser, autore tra l’altro dell’iconico logo I Love NY, oltre a curarne il design grafico ne ha firmato anche alcune copertine con il suo stile lisergico ed inconfondibile. Stile che, quando è libero di farsi illustrazione pura, ritrova la vocazione artistica degli esordi, quando nel 1951 ebbe la straordinaria opportunità di studiare nientemeno che con Giorgio Morandi a Bologna. L’amore per i grandi maestri ritorna nella sua illustrazione Monet paints water lilies, realizzata a pastelli a cera in occasione della mostra Vita immaginaria di Claude Monet presso la galleria milanese Nouages nel 1992. Il maestro impressionista domina la composizione con la sua silhouette in bianco, circondato dal giardino di Giverny in una ipnotica sinfonia di verdi, blu e arancio.

Due magazine intimamente legati alla Grande Mela, due illustratori dal tratto immediatamente riconoscibile e un immaginario che unisce Stati Uniti ed Europa: a dimostrazione che New York è veramente un melting pot culturale per eccellenza, capace di trascendere i propri confini.

Catalogo completo: https://www.finarte.it/asta/fumetti-tavole-e-illustrazioni-originali-roma-2025-05-09

Testo di Marzia Flamini

Quando l’argento proveniente dalle Americhe si riversò sui mercati europei in quantità mai viste prima la storia dell’argenteria in Europa cambiò per sempre. Quello che fino a quel momento era stato un materiale raro divenne così tra il XVII e XVIII secolo, ancorché prezioso, più facilmente accessibile. I mastri argentieri si ritrovarono quindi a non essere più costretti a limitare la loro produzione a capolavori sacri, destinati ad una fruizione ecclesiastica, o a poche commissioni per le case reali.  

È nel Settecento inoltrato che l’argenteria laica diventa sempre più diffusa, seguendo la moda del momento, sempre legata alle novità esotiche introdotte dalle colonie sudamericane o dal Medio ed Estremo Oriente, ecco apparire dunque cioccolatiere e caffettiere. Del resto, la moda del caffè era talmente diffusa che Carlo Goldoni ambientò una delle sue commedie più celebri proprio in una Bottega del Caffè, lasciando non a caso il consueto dialetto veneziano per il più universale toscano. 

Una delle regioni italiane dove l’arte dell’argenteria raggiunse i massimi livelli fu il Piemonte, a Torino non mancavano le grandi firme, artigiani che per la loro maestria e inventiva possono essere definiti come veri e propri artisti. Sulle loro creazioni dominano motivi fitomorfi o elementi animali, volute aggraziate in linea con il gusto Rococò.

La tradizione dei servizi da tè, caffè e cioccolata in argento prende così tanto piede da continuare fino all’Ottocento e primo Novecento. Esposti su grandi vassoi coordinati, fanno bella mostra di sé sui tavolini per il rituale pomeridiano o mattutino, centro focale di raffinati momenti conviviali.  

Nell’Ottocento si diffonde a partire dalla Russia anche il samovar, nato per scaldare l’acqua destinata al tè, immancabilmente citato in tutti i classici della letteratura russa.  

Nel Novecento i servizi in argento diventano status symbol delle famiglie bene, classico dono per i novelli sposi. Le linee seguono di volta in volta le mode del momento, più slanciate ed aggraziate o più tonde e con decorazioni cesellate virtuosisticamente. I servizi in argento accompagnano insomma da ormai più di tre secoli la vita degli europei, ponendosi a metà strada tra bene esclusivo e democraticamente diffuso, simbolo materiale di un rito conviviale ormai parte del nostro DNA. 

Sfoglia il catalogo completo dell’Asta di Argenti Antichi e da Collezione: https://www.finarte.it/asta/argenti-antichi-e-da-collezione-milano-2025-04-15

Testo di Marzia Flamini

Si comincia con Mario Giacomelli, di cui quest’anno ricorre il primo centenario della nascita. Dopo l’importante mostra nella Senigallia che gli ha dato i natali (fino al 6 aprile nel Palazzo del Duca) aprirà da maggio a settembre la doppia, importante retrospettiva Mario Giacomelli 1925-2025. L’immagine e la parola: a Milano, a Palazzo Reale, e in sinergia al Palazzo delle Esposizioni a Roma. Due mostre complementari, a cura di Bartolomeo Pietromarchi e Katiuscia Biondi Giacomelli, che mettono in campo un’inedita collaborazione fra le due istituzioni per portare al grande pubblico uno degli incontrastati maestri della fotografia italiana e internazionale.

A precederla, fino al 4 maggio, una mostra di più ampio respiro, che non si limita alla sola fotografia ma in cui quest’ultima ha senz’altro un ruolo di primo piano: si tratta di Da Cindy Sherman a Francesco Vezzoli. 80 artisti contemporanei, curata da Daniele Fenaroli, con il supporto scientifico di Vincenzo De Bellis. Tanti i nomi della fotografia rappresentati nella Collezione Giuseppe Iannaccone da cui provengono le opere esposte, tra cui la stessa Sherman, Lisetta Carmi e Nan Goldin.

Sempre a Milano ma al PAC – Padiglione d’Arte Contemporanea è in corso invece Body of Evidence (fino all’8 giugno), importante retrospettiva sull’artista iraniana Shirin Neshat, curata da Diego Sileo e Beatrice Benedetti. Trent’anni di carriera rivissuti attraverso fotografie e video-installazioni per fare il punto sulla sua pratica artistica articolata fra fotografia, cinema, teatro.

Ci si sposta a Torino per Olivo Barbieri. Spazi Altri, omaggio pensato appositamente per gli spazi delle Gallerie d’Italia torinesi, dedicate esclusivamente alla fotografia, ad Olivo Barbieri (fino al 7 settembre). Curata da Roberto Koch, presenta oltre 150 opere incentrate sulla ricerca ormai trentennale dell’artista sulla Cina, tra sperimentazioni tecniche e fascinazione per una società in costante cambiamento.

Nel Museo di Santa Giulia a Brescia è aperta fino al 14 agosto A Sense of Wonder. Fotografie 1962 – 2022, esposizione curata da Denis Curti e dedicata al fotografo Joel Meyerowitz. Oltre ad una panoramica sull’artista newyorkese, in bilico fra street photography e intimismo, la mostra presenta un focus dedicato ai 365 giorni di autoritratti che costituiscono un diario visivo del lockdown del 2020.

A Roma continua, infine, al Museo dell’Ara Pacis la prima grande retrospettiva su Franco Fontana, intitolata semplicemente Franco Fontana. Retrospective e curata da Jean-Luc Monterosso (fino al 31 agosto). Grazie a oltre 200 fotografie la mostra presenta un percorso nel colore del maestro modenese, tra paesaggi naturali e urbani, nudi e architetture.

Sono tante, insomma, le opportunità per i collezionisti e gli appassionati di scoprire o approfondire l’opera di maestri della fotografia sempre presenti nelle aste Finarte.

Catalogo Completo – Asta di Fotografia del 10 aprile

Testo di Marzia Flamini

Ci sono personaggi che non invecchiano mai, le cui avventure continuano a riecheggiare tra le pagine invecchiate e nelle menti di chi ama il racconto d’avventura. Tra questi, Corto Maltese si distingue come un’ombra misteriosa ed affascinante, un marinaio senza bandiera, un viaggiatore dello spazio e del tempo che rappresenta il perfetto equilibrio tra realismo e leggenda. Nato dalla penna di Hugo Pratt nel 1967, Corto è molto più di un semplice personaggio su carta.

Pratt lo immagina con i tratti decisi e affascinanti che mescolano Burt Lancaster e sé stesso, un senso di giustizia anarchico e una voglia insaziabile di libertà. Corto non è un eroe tradizionale:  si definisce un gentiluomo di fortuna, non segue nessuna causa se non l’avventura, preferisce la poesia alla violenza, oppone l’ironia alla certezza. Eppure, nei suoi viaggi, si trova sempre coinvolto in eventi che lo costringono a scegliere da che parte stare, facendogli scoprire che persino con il fato si può discutere: basta prendere una lama e disegnarsi una nuova linea del destino sul palmo della mano.

Ma l’influenza di Corto Maltese si estende ben oltre le tavole disegnate da Hugo Pratt. Autori e artisti contemporanei hanno raccolto la sua eredità, reinterpretandone lo spirito attraverso nuove opere. Questa ricchezza di sfumature si riflette anche nelle tavole originali presentate nell’asta “Maestri del Fumetto – Collezione Oliva” del 7 marzo 2025.

A partire dagli anni ’80, autori come Dino Busett si sono ispirati alle molteplici sfaccettature di Corto Maltese, dando vita a nuove iterazioni del marinaio pur rispettandone sempre l’essenza. Alla fine degli anni ’90 ed inizio degli anni 2000, gli italiani Emanuele Barison e Giuseppe Camuncoli, a distanza di dieci anni l’uno dall’altro, hanno reinterpretato Corto in illustrazioni dalla vena più romantica. Ancora più personale la versione di Corto firmata da Mudokon (Massimiliano Gosparini) e da George Pratt, così come quella di Davide Toffolo che con il tratto distintivo del fumettista e musicista (è il frontman del gruppo Tre Allegri Ragazzi Morti) lo ha ibridato con le sue caratteristiche orecchie animali.

Anche artisti internazionali come Kent Williams, Paolo Cossi e Aleksandar Zograf hanno contribuito a mantenere vivo lo spirito di Corto Maltese, dimostrando come il marinaio possa ancora navigare nuovi mondi senza perdere la sua anima. Arrivando fino all’illustrazione più recente tra quelle offerte in asta, che rimane fedele alla versione originale, firmata da un Stefano Babini, alunno di Hugo Pratt.

Sfoglia il catalogo completo dell’asta di Maestri del Fumetto: Collezione Oliva

Se vuoi acquistare una borsa Hermès e assicurarti che sia autentica, ecco i dettagli chiave a cui fare attenzione:

1. Il Logo e il Marchio

La prima cosa da controllare è il timbro a rilievo sulla parte frontale della borsa. Il marchio legge “Hermès Paris Made in France” su tre righe, con la scritta più piccola a ogni riga. Nei modelli autentici, il logo presenta lettere equidistanti e con una spaziatura uniforme anche tra le righe.

Al contrario, la maggior parte delle borse Hermès contraffatte presenta un’iscrizione stampata, invece che impressa. Spesso le lettere sono irregolari per font, dimensione o inclinazione, e la spaziatura tra di esse può non essere uniforme. Fare attenzione anche sull’accento sulla seconda E di HERMÈS, che potrebbe essere troppo leggero o addirittura mancante.

2. La Pelle e i Materiali

Un dettaglio non da poco è sicuramente il pellame e i materiali di altissima qualità utilizzati da Hermès, come la pelle Togo, Clemence, Epsom o la pelle di coccodrillo e alligatore. Si può riconoscere anche al tatto: la pelle deve risultare morbida ma robusta. Se la pelle è rigida o plastificata, probabilmente è un falso.

Da considerare anche le variazioni nella pelle esotica: le trame sulle borse di coccodrillo e alligatore sono praticamente sempre diverse. Solamente una finta borsa di Hermès potrebbe avere squame perfettamente regolari e uniformi, questo perché gli animali stessi hanno delle irregolarità nella pelle!

Anche l’odore è un indicatore importante: un’autentica borsa Hermès ha un profumo naturale di pelle, mai di colla o plastica. 

3. Le Cuciture

Hermès cuce a mano ogni borsa con la tecnica del punto sellaio. I punti Hermès in genere hanno una leggera inclinazione verso l’alto e, sebbene i punti siano singoli, potrebbero esserci dei punti doppi. Se trovi cuciture disordinate, dritte o troppo perfette (tipico delle macchine industriali), potresti essere di fronte a un falso.

4. Il Codice del Sellier

Ogni borsa autentica ha un codice identificativo impresso all’interno, vicino all’attacco della maniglia. Questo codice contiene l’anno di produzione – indicato da una lettera dentro un quadrato o un cerchio – e le iniziali dell’artigiano che l’ha realizzata. Se il codice è assente o non segue questo formato, è un indizio di contraffazione. 

5. L’Hardware e i Dettagli in Metallo 

Le parti metalliche di una borsa Hermès originale, come lucchetti, chiusure e piedini, sono realizzate in ottone placcato oro o palladio. Devono avere un peso solido e non sembrare leggere o “cheap”. Il numero di serie del lucchetto e della chiave devono ovviamente corrispondere.

6. La Forma e la Struttura 

Le borse Hermès mantengono sempre la loro forma anche dopo anni di utilizzo. Se una borsa appare floscia, con il peso disequilibrato tra gli angoli, e con una forma poco definita, potrebbe essere un’imitazione. 

7. La Dust Bag e la Scatola

La dust bag autentica è realizzata in cotone di alta qualità, con il logo Hermès stampato in marrone. Le repliche spesso usano un tessuto più economico o hanno stampe troppo scure o sbiadite. La scatola originale è arancione con una finitura leggermente granulosa e un logo perfetto. Se il colore è troppo acceso o la scatola è troppo leggera, potrebbe essere un falso. 

Riconoscere una borsa Hermès originale richiede attenzione ai dettagli. Se hai dubbi, affidati a esperti del settore o a servizi di autenticazione professionale.

Sfoglia il catalogo della prossima asta di Luxury Fashion che si terrà il 10 marzo

Amore: sentimento eterno, celebrato dagli artisti di ogni epoca e declinato in infinite forme creative – romantica, passionale, platonica, struggente. L’arte ha sempre raccontato l’amore, rendendolo protagonista, proprio come nella letteratura e nella storia. Anche la leggenda di San Valentino, in tutte le sue versioni, è un inno all’amore incondizionato. Scopri le nostre aste per festeggiare San Valentino come vuoi e con chi vuoi!

Per gli amanti dei fumetti
L’asta “Maestri del Fumetto: Collezione Oliva” del 7 marzo offre pezzi iconici: dai disegni di Emanuele Barison per “Corto Maltese” (Lotto 119, Stima € 150 – 400) a quelli intensi e tormentati di Giuseppe Camuncoli (Lotto 116, Stima € 200 – 500), fino all’irresistibile fascino di Diabolik di Dino Busett. Per i sognatori c’è Bonnes Vacances di Yves Chaland, anni ‘80, e per chi cerca l’amore ideale, La donna dei sogni di Federico Fellini (Lotto 85, Stima € 900 – 1.700).

Per chi ama la moda
L’asta di Luxury Fashion del 10 marzo celebra l’amore con una palette di rossi in tutte le sue sfumature: Birkin rubino 2010 (Lotto 4, Base d’asta € 7.000), Kelly Rouge H (2009, Lotto 6, Base d’asta € 6.500), Birkin rouge con dettagli dorati 2004 (Lotto 23, Base d’asta € 7.000), Kelly Rouge Duchesse 2002 (Lotto 33, Base d’asta € 8.500) e una Chanel XXL rosso matelassé (2018, Lotto 38, Base d’asta € 6.500).

Per chi ama la casa
Illumina la tua serata con la lampada ad Arco di Achille e Pier Giacomo Castiglioni (1962, Lotto 20, Stima € 800 – 1.000) in asta il 25 febbraio, perfetta per creare un’atmosfera leggera e sentimentale. Per rendere la serata indimenticabile, lasciati conquistare da un vaso del 1985 di Laura Diaz de Santillana per che possa raccogliere un mazzo di fiori ricevuto.

Per l’amore materno
L’asta Unveiled Beauty del 27 febbraio, dedicata alla bellezza del corpo umano, celebra anche l’amore materno con due lotti particolari: il Lotto 52 di Barry Lategan, Catherine Lategan (1980), che esprime la delicatezza e allo stesso tempo la forza dell’amore di una madre, e il Lotto 54 di Claudio Abate, Madre e figlio (1972), che cattura l’essenza di un amore profondo, sincero e indissolubile, due opere ideali per chi vede San Valentino come una celebrazione dell’affetto.

Scopri le nostre aste e lasciati ispirare dai cataloghi completi
Design e Arti Decorative / 25 febbraio
Fotografia: Unveiled Beauty / 27 febbraio
Maestri del Fumetto: Collezione Oliva / 7 marzo
Luxury Fashion / 10 marzo